Lockdown-Lockerung: Wie sich der Londoner Kunstsektor erholen und gedeihen kann

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Es ist wahrscheinlich das Beste, dass Line of Duty gerade in einer enttäuschenden Umstrukturierung der Abteilung geendet hat. Denn nachdem wir uns mehr als ein Jahr lang auf das Fernsehen verlassen haben, um uns am Laufen zu halten, könnte selbst das beliebteste Drama des Landes Schwierigkeiten haben, seine Zuschauerzahlen zu halten, nachdem die Indoor-Unterhaltungsstätten am 17. Mai eröffnet haben. Der Hunger, Dinge zu sehen – sei es ein Film, ein Gemälde, ein Theaterstück oder ein Auftritt – persönlich und als Teil einer kollektiven Erfahrung ist spürbar.

Was ermutigend ist, denn es war ein höllisches Jahr für die Kunst. Viele Organisationen befinden sich in einer schlechten Finanzlage, und ohne staatlich abgesicherte Versicherungen sind die Risiken einer Wiederaufnahme des Geschäfts für einige immer noch zu groß. Auch die Notlage von Freiberuflern – einer Belegschaft, auf die in der Kunst überproportional viel Verlass ist, die jedoch erschreckend wenig unterstützt wird – wurde stark hervorgehoben.

London ist weltweit führend im Kreativsektor. Es gibt große Hoffnung, wenn wir aus dieser Sperrung herauskommen, aber es gibt auch viel zu tun. Das Recovery Board des Evening Standard in diesem Monat, bestehend aus führenden Persönlichkeiten aus den Bereichen Kunst und Kultur, Wirtschaft und Verkehr, konzentrierte sich darauf, wie sich die Künste erholen und besser wieder aufbauen können, und ermutigte gleichzeitig die Londoner, in die Stadt zurückzukehren.

Innovation

Aus der Katastrophe ist Kreativität geworden, insbesondere in der Art und Weise, wie die Industrie Technologie einsetzt. Der Moment ist reif, dies weiterzuentwickeln, und London hat die Fähigkeit, an vorderster Front zu stehen, sagt Sir Kenneth Olisa OBE, Gründer und Vorsitzender von Restoration Partners, „aber es gibt eine Luftlücke zwischen dieser Fähigkeit und dem, was ich das Establishment nenne . Wir haben diesen riesigen Pool an Talenten und Energie, und wir haben auch einen enormen Pool an technologischen Fähigkeiten. Und wenn diese beiden Dinge zusammenkommen, passiert Magie.“

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Sir Ken Olisa OBE

/ Daniel Hambury/Stella Pictures

Die Akzeptanz von Innovation wird auch Gelder anziehen, sagt der Philanthrop Sir Lloyd Dorfman. „Jeder in der philanthropischen Welt wurde mit Ansätzen überschwemmt. Sie fühlen sich von den innovativeren angezogen und von denen, die durch Technologie den Zugang und die Freude der Menschen verstärken, haben Anziehungskraft.“

Zusammenarbeit

Während der Pandemie haben verschiedene Sektoren der Industrie ihre Gemeinsamkeiten entdeckt, sagt Axel Rüger, Geschäftsführer der Royal Academy of Arts, „in Bezug darauf, wen wir erreichen wollen, wie wir es tun wollen, unsere Probleme , unsere Frustrationen.“ Er wünscht sich eine viel größere Verbindung und Zusammenarbeit zwischen den Kunstformen.

Sir Peter Bazalgette, nicht geschäftsführender Vorsitzender von ITV und Vorsitzender von LoveCrafts, schlägt vor, sich an andere betroffene Branchen zu wenden, mit einem Verzeichnis von Londoner Restaurants, die bereit sind, arbeitslose Künstler aufzunehmen, um ihre Gäste zu unterhalten. ‘Freiberuflicher Fandango’, irgendjemand?

Apropos Freiberufler…

„Wir können nicht über Genesung sprechen, ohne über Freiberufler zu sprechen“, sagt Chinonyerem Odimba, künstlerischer Leiter und Geschäftsführer von tiata fahodzi. Allein der Theatersektor ist zu über 70 Prozent freiberuflich tätig, von denen viele durch die Lücken der verfügbaren Finanzierung gestürzt sind. Ihre Bedürfnisse und die Frage, wie der Kultursektor diese wackeligen Fundamente stützt, müssen weiter erforscht werden.

Chinonyerem Odimba, künstlerischer Leiter und Geschäftsführer von Theatre Freedom

Netzwerke werden wichtig sein, sagt Alex Beard, Geschäftsführer des Royal Opera House. „Wir sind vielleicht die größten Arbeitgeber für Künstler im Land, aber es gibt dreimal so viele Freiberufler, die jedes Jahr mit uns zusammenarbeiten, und dieses Netzwerk stand unter massivem Stress.“ Unterstützungsnetzwerke, die über die Krise hinaus bestehen, wie Freelancers Make Theatre Work, das Praktikernetzwerk von Opera UK oder das Engender-Netzwerk weiblicher Opernschaffender des ROH, werden von entscheidender Bedeutung sein.

Junge Leute

Öffentliche Einrichtungen müssen auf eine Weise mit jungen Zielgruppen in Kontakt treten, die die Kreativität fördert. Gus Casely-Hayford, Direktor von V&A East, will, dass sein Museum „ein Schmelztiegel der Traumrealisierung ist“ – und glaubt, dass junge Leute danach verlangen werden. Die Proteste gegen Black Lives Matter und den Klimawandel deuten auf „einen Moment der Forderung hin, dass sich kulturelle Institutionen ändern und tatsächlich auf die Bedürfnisse, Hoffnungen und Bestrebungen der Jugend eingehen, wie wir es in der Vergangenheit nicht getan haben“, sagt er. Diese Generation will Innovation, Dynamik, Interaktivität und Individualisierung. „Sie wollen, dass wir zuhören.“

Und nicht nur zuhören, sondern helfen. „Es gibt derzeit 40 Prozent Arbeitslosigkeit unter jungen Schwarzen“, sagt Odimba; „Das ist keine Figur, von der man weglaufen kann.“ Kunstorganisationen müssen überlegen, wie sie junge Menschen aktiv beim Eintritt in eine Branche unterstützen können, die ohnehin schon schwer zugänglich ist, sagt sie.

Erzählen Sie die Geschichten, die erzählt werden müssen

Vor der Pandemie wurden bedeutende Fortschritte bei der Diversifizierung der Arbeiten erzielt, die in den Londoner Galerien und auf den Bühnen erschienen – diese Dynamik darf nicht ins Stocken geraten.

Odimba sagt: „Wir müssen Künstlern vertrauen, dass sie die Geschichten erzählen, die erzählt werden müssen, und nicht die Geschichten, mit denen wir uns wohl fühlen [or] das kann das meiste Geld einbringen.“ Es ist auch wichtig, die bereits geleistete Arbeit anzuerkennen und nicht nur in die nächste neue Sache zu investieren, sondern „diejenigen zu feiern, die bereits harte Arbeit geleistet haben. Sie könnten der Schlüssel sein, um jüngere Arbeitskräfte und Kulturbotschafter für diese Stadt und dieses Land anzuziehen.“

Kulturräume müssen zugänglicher werden

Gus Casely-Hayford, Direktor von V&A East

Institutionen müssen Teil des gemeinsamen kulturellen Gefüges werden – die Menschen müssen sich wohl fühlen, wenn sie durch ihre Türen gehen, sei es bei Familienfesten im Royal Opera House oder bei der Öffnung zuvor geschlossener Bereiche für die Öffentlichkeit wie im V&A East, das ein neues Sammlungszentrum baut um seine mehr als 260.000 Objekte den Gemeinschaften, denen sie gehören, offen zugänglich zu machen, sagt Casely-Hayford. „Das sind öffentliche Sammlungen, die sich in der Vergangenheit nicht so angefühlt haben.“

Sie müssen auch bessere Erfahrungen bieten

Wenn ein zurückhaltendes Publikum zurückkehren soll, müssen Veranstaltungsorte mehr bieten. „Es liegt an uns, dieses Erlebnis tatsächlich zu verbessern“, sagt Rebecca Kane Burton, CEO von Lloyd Webber Theatres, das 60 Millionen Pfund in das Theatre Royal Drury Lane gesteckt hat, um „einen ganztägigen Veranstaltungsort“ zu schaffen.

„Ich bin nicht daran interessiert, Schlange zu stehen“, sagt sie. „Ich möchte die Leute dazu bringen, die Erfahrung zu genießen. [I’m interested in] wie diese ganze Erfahrung verbessert werden kann.“

Die Londoner werden die Künste retten

Der katastrophale Einbruch des internationalen Tourismus wird massive Auswirkungen haben – was bedeutet, dass sich die Branche wieder auf das lokale Publikum konzentrieren muss. Gabriele Finaldi, Direktorin der National Gallery, räumt ein, dass Museen in der Vergangenheit vielleicht „dem Londoner Publikum nicht so viel Aufmerksamkeit geschenkt haben, wie wir sollten“. Das muss sich ändern. „Wir müssen Dinge finden, die die Menschen dazu ermutigen, sich wieder in London zu verlieben.“

Gabriele Finaldi, Direktorin der Nationalgalerie

/ Daniel Hambury/@stellapicsltd

Transport

Die gute Nachricht ist, dass das Londoner Verkehrsnetz sicher und sauberer ist als je zuvor – eine öffentliche Erwartung, die in Kunstinstitutionen aufrechterhalten werden muss. Vertrauen in die ÖPNV-Nutzung aufzubauen, sei für den persönlichen Kulturbereich zwingend erforderlich, sagt Leon Daniels, ehemaliger TfL-Geschäftsführer, denn künftig werde der Anteil der Freizeit- statt Arbeitsnutzer „viel höher“ sein.

Bring es auf die Straße

Lockdown-Schließungen zwangen einige Veranstaltungsorte, ihre Arbeit ins Freie zu bringen. Daniels sieht diese Aktivität als Gelegenheit, ein neues Publikum anzusprechen; „Menschen, die nicht so recht dazu kommen, Museen, Theater oder Konzerte zu besuchen“. Informelles Engagement auf Straßen oder in Parks ist für ein Publikum zugänglicher, das sich mit großen Institutionen oder unbekannten Kunstformen nicht wohl fühlt, sagt Bazalgette – und im Moment ist es unerlässlich. „Dieser Sommer wird der Sommer im Freien, ob es uns gefällt oder nicht, bei Regen oder Sonnenschein“, sagt er.

Schmerz ist unvermeidlich; Der Kulturrat muss sich für die nächste Generation einsetzen

Eine beträchtliche Anzahl von Kunstorganisationen wird nach den letzten 12 Monaten pleite gehen – aber es wird auch eine Flut von Kreativität geben, wenn neue Gruppen auftauchen. Der Arts Council muss bereit sein, ihnen ebenso wie den bestehenden Organisationen zu helfen, „um sich hinter die neuen Organisationen, die Zukunft, zu stellen“, sagt Bazalgette.

Mission und Geld schließen sich nicht aus

Charlotte Appleyard, Direktorin für Entwicklung und Geschäftsinnovation bei der RA

Vorbei sind die Zeiten, in denen Sponsoren nur ihren Namen und ihr Logo auf einem Poster haben wollten und die Möglichkeit hatten, Kunden zu unterhalten, sagt Charlotte Appleyard, Direktorin für Entwicklung und Geschäftsinnovation bei der RA. Philanthropen „wollen kreative Lösungen, und mein Teil der Branche sollte nicht zimperlich sein, wenn es darum geht, kommerziell zu sein“. Sie nennt das Beispiel des WeTransfer-Deals der RA – „sie sind sowohl eine Content-Plattform als auch ein File-Sharing-Netzwerk. Sie waren unser Mediensponsor für die Sommerausstellung, und wir haben ihre Landingpage für etwa zweieinhalb Monate übernommen. Für uns ist die Sommerausstellung die ultimative Leistungsausstellung, und wenn jeder eintreten kann, warum sollte sie dann nicht jeder sehen?“

Die Kunst ist ein großer Wirtschaftsmotor

Der Kultursektor fördert die Besucherzahlen anderer Unternehmen und kann eine wichtige Rolle dabei spielen, die Menschen mit „attraktiven und interessanten Programmen“ wieder ins Zentrum zu holen, sagt Finaldi, aber auch „sicherzustellen, dass sich die Menschen sicher fühlen, und einen herzlichen Empfang zu bieten“. Kostenlose Aktivitäten nach der Pandemie werden wichtig sein, insbesondere für Familien, die sich vor den erwarteten Kosten eines Tages in der Stadt scheuen könnten.

Auf einer breiteren Ebene, sagt Kevin Ellis, Chairman und Senior Partner von PWC, werden die Künste ein hervorragendes Instrument sein, um ausländische Direktinvestitionen anzuziehen. „Was einen zum Investieren in ein Land zieht, ist nicht nur die finanzielle Infrastruktur und dergleichen, sondern auch die Kunst und der Magnet für Talente“, fährt er fort. „London hat die vielfältigsten und kosmopolitischsten Talente der Welt, deshalb sticht es als globale Stadt hervor.“

Aber die Regierung muss helfen

Die Kultur braucht ihre eigene Präsenz, und die Regierung muss ihren Teil dazu beitragen, die Menschen zu ermutigen, in ihre städtischen Büros zurückzukehren, sagt Dorfman. Derzeit ist die Innenstadt „wie der schlimmste Sonntagnachmittag im Winter, den man je gesehen hat, und das kann nicht so weitergehen“, stimmt Ellis zu. „Die Leute werden nicht lernen, sie werden keine Informationen weitergeben, sie werden sich nicht vernetzen. Und die nächste Phase sind die psychischen Probleme [which] wird für alle viel schlimmer werden, besonders für die jungen Leute, die für mich arbeiten, wenn sie keine Kumpels haben, und das bedeutet, sie wieder reinzuholen.“

Die Kunst wird in dieser Hinsicht entscheidend sein – seit der Nachkriegszeit haben wir sie nie mehr gebraucht, um unsere Erfahrungen zu verarbeiten.

Das Wiederherstellungsgremium in diesem Monat umfasste Charlotte Appleyard, Direktorin für Entwicklung und Geschäftsinnovation an der Royal Academy; Sir Peter Bazalgette, Non-Executive Chairman von ITV und Chairman von LoveCrafts; Alex Beard CBE, Geschäftsführer des Royal Opera House; Gus Casely-Hayford OBE, Direktor von V&A East; Leon Daniels, Verkehrsberater und ehemaliger TfL-Geschäftsführer; Sir Lloyd Dorfman CBE, Philanthrop; Kevin Ellis, Chairman und Senior Partner von PWC; Gabriele Finaldi, Direktorin der Nationalgalerie; Rebecca Kane Burton, CEO von Lloyd Webber Theatres; Chinonyerem Odimba, künstlerischer Leiter und Geschäftsführer von tiata fahodzi; Sir Kenneth Olisa OBE, Gründer und Vorsitzender von Restoration Partners; und Axel Rüger, Geschäftsführer der Royal Academy of Arts. Den Vorsitz führte Ed Vaizey